KI-Video-Erstellung: Praxis-Workflow für konsistente Clips

Warum generative Videoproduktion die Arbeitsteilung verschiebt

Videoproduktion war lange ein linearer Prozess mit klaren Kostenpunkten: Drehbuch, Drehplan, Drehtag, Schnitt, Vertonung, Freigabe. Jede Änderung nach dem Dreh bedeutete neue Termine, neue Abstimmungen, neues Budget. Generative Systeme brechen diese Logik auf. Ein Modell erzeugt aus einer Beschreibung bewegte Bilder, ein zweites übernimmt die Stimme, ein drittes den Schnittrhythmus. Die Iteration wird billig – und damit verlagert sich der Engpass nach vorne. Nicht mehr das Material ist knapp, sondern die Entscheidung, welches Material gut genug ist.

Für Teams bedeutet das eine andere Arbeitsweise. Statt einer Version entstehen zwanzig Varianten, die gesichtet, bewertet und zusammengeführt werden müssen. Wer Videos produziert, arbeitet dadurch stärker wie eine Redaktion: auswählen, priorisieren, verwerfen. Die Werkzeuge liefern Tempo, aber keine Haltung. Ein visuell perfekter Clip ohne dramaturgische Idee bleibt ein Effekt und wird selten geteilt.

Die Rollen verschieben sich, verschwinden aber nicht. Dramaturgie, Bildsprache und Ton bleiben Handwerk. Neu hinzu kommt die Pipeline-Betreuung: Wer weiß, welches Werkzeug für welche Einstellung taugt, welche Referenzbilder nötig sind und wo typische Artefakte entstehen, spart pro Projekt mehrere Arbeitstage. Diese Person muss keine Modelle trainieren können – sie muss sie beurteilen können.

Dazu kommt der Formatdruck. Kurzvideos, vertikale Varianten, Untertitel-Fassungen und Sprachversionen sind aus einem einzigen Dreh kaum wirtschaftlich zu stemmen. Generative Systeme erzeugen diese Ableitungen dagegen in einem Bruchteil der Zeit – vorausgesetzt, die Ausgangsassets sind sauber strukturiert. Wer Figuren, Orte und Stile als wiederverwendbare Bausteine ablegt, produziert nicht nur ein Video, sondern ein Format, das sich beliebig ableiten lässt.

Die Produktionskette in sechs Stufen

Eine funktionierende Pipeline ist unspektakulär. Sie besteht aus wenigen, klar getrennten Stufen. Wer sie überspringt und direkt „irgendetwas Schönes“ generiert, produziert Zufallsergebnisse, die sich nicht zu einer Sequenz fügen. Die Reihenfolge ist wichtiger als das einzelne Werkzeug.

Stufe 1: Behandlung und Dramaturgie

Am Anfang steht kein Prompt, sondern ein Treatment. Auf einer halben Seite sollte stehen, was in welcher Reihenfolge passiert und welche Emotion am Ende bleiben soll. Ein Beispiel: Ein 40-Sekunden-Clip für ein Fitnessstudio zeigt nicht „Training“, sondern den Moment vor dem ersten Satz, dann drei schnelle Wiederholungen, dann das Durchatmen danach. Dieses Gerüst entscheidet über Längen, Licht und Ton, lange bevor das erste Bild existiert.

Stufe 2: Einstellungsliste statt Sammelprompt

Erst danach wird daraus eine Einstellungsliste: pro Einstellung ein Satz zur Handlung, ein Satz zur Kamera, ein Satz zur Atmosphäre. Diese drei Sätze sind später der Prompt. Wer mit Kamera arbeitet, kennt das als Shotlist – hier ist sie gleichzeitig das Prompt-Gerüst. Ein häufiger Anfängerfehler ist, die gesamte Geschichte in einen einzigen Prompt zu packen. Modelle erzeugen dann eine hübsche, aber beliebige Einstellung. Sequenzen entstehen durch Aufteilung: acht bis zwölf Einstellungen von je drei bis fünf Sekunden ergeben bereits einen stimmigen 45-Sekunden-Clip.

Stufe 3: Referenzset aufbauen

Bevor die erste Einstellung generiert wird, sollte ein kleines Referenzset stehen: Gesichter der Hauptfigur aus mehreren Winkeln, zwei bis drei Orte, ein Stilboard mit Farbpalette und Lichtstimmung. Dieses Set ist die eigentliche Investition. Es entscheidet, ob spätere Einstellungen zusammenpassen oder wie Puzzleteile aus verschiedenen Filmen wirken. Faustregel: sechs bis zehn Bilder pro Figur, konsistent belichtet, ohne ablenkenden Hintergrund.

Stufe 4: Generierung in Chargen

Jetzt wird in Chargen gearbeitet: drei bis sechs Varianten pro Einstellung, nicht eine. Die Auswahl erfolgt nach harten Kriterien – stimmt die Bewegung, stimmt die Perspektive, stimmt die Figur – und nicht nach dem ersten Eindruck. Brauchbare Varianten werden sofort beschriftet und in einer festen Ordnerstruktur abgelegt, etwa nach Projekt, Szene und Einstellungsnummer. Unbeschriftetes Material ist in der Montage praktisch verloren.

Stufe 5: Montage und Rhythmus

Die fertigen Clips laufen in einer klassischen Schnittumgebung zusammen. Dort entsteht der Rhythmus, dort werden Übergänge, Tempo und Reihenfolge korrigiert. Ein wichtiger Trick: Generiere absichtlich Überlänge. Einstellungen, die drei Sekunden dauern sollen, werden mit fünf bis sechs Sekunden erzeugt. Das klingt verschwenderisch, spart aber einen zweiten Generierungsdurchlauf, weil beim Schnitt Material für Zwischenschnitte bleibt.

Stufe 6: Ton, Export und Ableitungen

Ton wird zunächst provisorisch gelegt, um Längen zu prüfen, und erst danach final ersetzt. Exportiert wird immer in mehreren Fassungen: horizontal, vertikal, mit und ohne Untertitel. Wer diese Ableitungen von Anfang an mitdenkt, vermeidet, dass der Bildausschnitt für das Hochformat mühsam nachgebaut werden muss.

Die drei Eingabewege: Text, Bild, Video

Die Wahl des Eingabewegs bestimmt die Stabilität des Ergebnisses stärker als die Wahl des Modells. Alle drei Wege haben klare Stärken – und klare Grenzen.

Text zu Video

Der flexibelste und unberechenbarste Weg. Ideal für Stimmungsbilder, Hintergründe, abstrakte Sequenzen und schnelle Tests. Schwach bei Figuren, die über mehrere Einstellungen gleich bleiben sollen, und bei präzisen Kamerabewegungen. Als Faustregel gilt: Beschreibe Bewegung, Licht und Materialität, nicht Persönlichkeit. Adjektive wie „freundlich“ erzeugen wenig; „weiches Gegenlicht, staubige Luft, langsame Fahrt nach rechts“ erzeugen sehr viel.

Bild zu Video

Hier beginnt kontrollierte Arbeit. Ein Referenzbild legt Komposition, Figur und Farbwelt fest; das Modell fügt Bewegung hinzu. Das reduziert Zufall deutlich, verlangt aber Disziplin bei der Bildauswahl. Ein Referenzbild mit weichem Licht und klarer Silhouette liefert fast immer ein besseres Ergebnis als ein detailreiches, unruhiges Motiv. Für Produktvideos ist dieser Weg praktisch gesetzt: Ein sauberes Produktfoto, eine kurze kontrollierte Kamerafahrt, fertig.

Video zu Video und Bewegungstransfer

Diese Variante ist unterschätzt. Vorhandenes Material – eine Handyaufnahme, eine grobe Animation, ein Blocking mit Statisten – dient als Bewegungsvorlage und wird stilistisch umgesetzt. Für Teams, die bereits Rohmaterial besitzen, ist das oft der schnellste Weg zu einem konsistenten Look, weil Kameraarbeit und Timing vorgegeben sind. Auch für Tanz- und Sportaufnahmen ist der Bewegungsfluss dadurch glaubwürdiger als bei reiner Textbeschreibung.

Modelle bewerten statt Trends folgen

Die Modelllandschaft verändert sich schneller, als jede Redaktion dokumentieren kann. Wer jede Woche dem neuesten Trend folgt, produziert vor allem Unsicherheit. Sinnvoller ist ein festes Bewertungsraster, das unabhängig von einzelnen Releases funktioniert.

Acht Kriterien, die zählen

Konsistenz über Einstellungen hinweg: Bleibt eine Figur über mehrere Clips erkennbar dieselbe?
Bewegungsqualität: Wirken Gliedmaßen, Stoffe und Haare plausibel, oder flackern Details?
Kontrolle: Lassen sich Kamerafahrt, Brennweite und Bildausschnitt gezielt steuern?
Prompt-Treue: Setzt das System um, was beschrieben wurde, oder interpretiert es frei?
Auflösung und Länge: Reicht die Ausgabequalität für den geplanten Kanal?
Geschwindigkeit: Wie lange dauert eine Iteration – Minuten oder Stunden?
Rechte und Nutzung: Sind kommerzielle Nutzung und Weiterverarbeitung klar geregelt?
Lernkurve: Kommt ein Teammitglied ohne Schulung zurecht?

Diese acht Punkte sind wichtiger als jede Benchmark-Tabelle, weil sie den tatsächlichen Aufwand pro fertiger Minute abbilden.

Ein einfacher Vergleichstest

Nimm eine repräsentative Einstellung aus deinem Projekt – zum Beispiel „Frau mittleren Alters steigt aus einem Auto, Regen, Nacht, Gegenlicht“ – und generiere sie mit drei Kandidaten. Bewerte anschließend mit Punkten von eins bis fünf in den acht Kategorien. Der Vergleich dauert eine gute Stunde und verhindert, dass ein ganzes Projekt auf einem Werkzeug aufbaut, das bei Konsistenz schwach ist. Wiederhole den Test nach jedem größeren Update, aber nicht öfter als einmal pro Quartal.

Wann welcher Modelltyp passt

Textbasierte Generierung eignet sich für Konzeptarbeit, Moodboards und Ideenexploration. Bildbasierte Generierung ist die richtige Wahl, wenn Kontrolle gefragt ist: ein definiertes Startbild, eine definierte Figur, eine definierte Komposition. Spezialisierte Werkzeuge für sprechende Köpfe, Produktrotationen oder Landschaftspanoramen lösen enge Aufgaben besser als Alleskönner. In der Praxis kombiniert man: Konzept per Text, Ausführung per Bild, Verfeinerung per spezialisiertem Werkzeug.

Charakterkonsistenz: der härteste Qualitätstest

Nichts zerstört die Illusion einer Sequenz schneller als ein Gesicht, das in der nächsten Einstellung jemand anderem gehört. Konsistenz ist deshalb das zentrale Qualitätskriterium generativer Videoproduktion.

Warum Gesichter auseinanderfallen

Modelle erzeugen jedes Bild aus einer statistischen Verteilung, nicht aus einem gespeicherten Modell der Figur. Ohne externen Anker – Referenzbilder, feste Seeds, klar beschriebene Merkmale – entscheidet das System bei jeder Generierung neu, wie die Person aussieht. Besonders kritisch sind Profilwechsel, starke Lichtwechsel und Szenen mit mehreren Personen, weil dort Aufmerksamkeit zwischen Gesichtern verteilt wird.

Techniken für konsistente Figuren

Der zuverlässigste Ansatz kombiniert mehrere Maßnahmen: ein sauberes Referenzset aus sechs bis zehn Bildern, eine feste Beschreibung der Merkmale in jedem Prompt, eine begrenzte Bandbreite an Kamerawinkeln und eine Nachbearbeitung, die Gesichter bei Bedarf angleicht. Wer eine Figur über zwanzig Einstellungen führt, sollte außerdem die Farbtemperatur konstant halten – unterschiedliche Lichtstimmungen lassen dieselbe Person fremd wirken.

Referenzset richtig aufbauen

Ein gutes Referenzset zeigt die Figur frontal, im Halbprofil und im Profil, jeweils bei neutralem Licht und ohne ablenkenden Hintergrund. Accessoires wie Brille, Bart oder Narben gehören ausdrücklich ins Set, weil sie später als Erkennungsmerkmale dienen. Vermeide starke Weitwinkelverzerrungen und dramatische Schatten – beides erschwert die Wiedererkennung. Wenn eine Figur in einer Szene nass, verschwitzt oder verletzt erscheint, gehört auch eine Variante mit diesem Zustand ins Set.

Szenen mit mehreren Figuren

Ab zwei Personen steigt der Aufwand überproportional. Praktikabel ist, Hauptfiguren nie gleichzeitig scharf im selben Bild zu zeigen. Stattdessen arbeitet man mit Schuss und Gegenschuss, mit Über-die-Schulter-Perspektiven und mit Einstellungen, in denen eine Figur nur teilweise sichtbar ist. Das ist klassische Filmsprache und zufällig genau das, was generative Systeme am besten können.

Ton, Stimme und Atmosphäre

Ton entscheidet über die wahrgenommene Qualität eines Videos mindestens so stark wie das Bild. Ein flackernder Clip mit gutem Sound wirkt professioneller als ein perfektes Bild mit schlechtem Ton.

Sprachsynthese

Moderne Stimmengenerierung liefert brauchbare Ergebnisse für Erklärvideos, Nachrichtenformate und Voice-over. Entscheidend ist die Textvorbereitung: kurze Sätze, bewusste Pausen, Betonungshinweise. Zahlen und Abkürzungen sollten ausgeschrieben werden, weil die Aussprache sonst schwankt. Wer Dialoge braucht, arbeitet mit Testzeilen, bevor die gesamte Szene vertont wird, und passt die Sprechgeschwindigkeit an den Schnittrhythmus an.

Musik und Atmosphäre

Atmosphärische Spuren – Wind, Raumhall, Publikumsrauschen, Straßenverkehr – machen aus synthetischen Bildern eine Szene. Musik sollte zunächst als Temp Track dienen und erst am Ende final gesetzt werden, sonst schneidet man gegen eine Stimmung, die man später ändert. Ein praktischer Arbeitsablauf: Bildschnitt fertigstellen, Temp Track anlegen, Längen korrigieren, dann Sprachspur final aufnehmen, dann Musik ersetzen und Pegel abstimmen.

Lippensynchronisation

Wenn Figuren sprechen, ist die Passgenauigkeit der härteste Test. Zwei Wege sind üblich: erst Audio erzeugen und die Bildgenerierung darauf abstimmen, oder erst Bild erzeugen und anschließend die Mundbewegung anpassen. Der erste Weg liefert stabilere Ergebnisse, weil das Timing von Anfang an feststeht. Bei Dialogen lohnt es sich, pro Sprechbeitrag eine eigene Einstellung zu generieren und erst im Schnitt zu verschneiden.

Prompting als Regieanweisung

Ein Prompt ist keine Bestellung, sondern eine Regieanweisung. Je konkreter sie ist, desto weniger muss das Modell raten. Bewährt hat sich eine feste Reihenfolge: Motiv, Handlung, Kamera, Licht, Stil, Ausschlüsse.

Kamera

Beschreibe Bewegung als Kombination aus Richtung, Tempo und Distanz: „langsame Fahrt nach vorne, halbnahe Einstellung, leicht erhöhte Perspektive“. Statische Einstellungen sind unterschätzt – sie wirken in Sequenzen oft ruhiger und sind deutlich fehlerärmer. Für Anfänger gilt: Pro Einstellung nur eine Kamerabewegung, niemals zwei kombinieren.

Licht und Stil

Formuliere Licht als physikalische Situation, nicht als Gefühl: „warmes Seitenlicht durch Jalousien“, „blauer Dämmerungston mit praktischem Licht im Hintergrund“. Stilangaben wie Filmmaterial, Kontrast oder Farbpalette gehören ebenfalls hierher und sollten innerhalb einer Sequenz nicht wechseln. Ein nützlicher Trick ist ein kurzes Stil-Lexikon, das im Team gepflegt wird – zehn Formulierungen, die nachweislich funktionieren, schlagen hundert spontane Experimente.

Ausschlüsse und Kontrolle

Negative Anweisungen helfen begrenzt, sind aber besser als nichts: „keine Texteinblendungen, keine zusätzlichen Personen, keine schnellen Zooms“. Wichtiger ist die Kontrolle über das Startbild. Wer ein definiertes Referenzbild vorgibt, muss deutlich weniger ausschließen.

Qualitätssicherung, Nachbearbeitung und typische Fehler

Die Sichtung ist Arbeit, nicht Nebensache. Bewährt hat sich ein zweistufiger Prozess: erst eine schnelle Auswahl bei doppelter Geschwindigkeit, dann eine Detailprüfung verdächtiger Stellen.

Checkliste für die Detailprüfung

Hände und Finger in jeder Einstellung einzeln prüfen
Gesichter am Bildrand kontrollieren
Hintergründe auf verschwimmende Objekte und Textartefakte prüfen
Bewegung von Stoffen, Haaren und Wasser beobachten
Übergänge zwischen Einstellungen auf Sprünge in Licht und Farbe abklopfen
Untertitel auf Lesbarkeit und Timing testen
Ton auf Klicks, Pegelsprünge und harte Schnitte hören

Reparieren oder neu generieren?

Nicht jedes Problem muss neu generiert werden. Leichte Stabilisierung, Farbkorrektur, Hochskalierung und gezieltes Retuschieren lösen viele Fälle schneller. Erst wenn eine Einstellung dramaturgisch unbrauchbar ist, lohnt die Neuproduktion – und dann mit verändertem Prompt, nicht mit demselben. Eine nützliche Regel: Wenn zwei Korrekturversuche nicht zum Ziel führen, liegt das Problem meist im Referenzmaterial, nicht im Prompt.

Fünf typische Fehler

Alles in einen Prompt packen. Ergebnis: schöne, aber unbrauchbare Einzelbilder ohne Sequenzlogik.
Nur eine Variante generieren. Ohne Vergleichsmöglichkeit entstehen Kompromisse, die im Schnitt auffallen.
Referenzmaterial vernachlässigen. Der Großteil aller Inkonsistenzen lässt sich darauf zurückführen.
Kein Tonkonzept. Ohne Atmosphäre wirkt jede Einstellung nach Demo.
Formate zu spät bedenken. Wer erst nach dem Schnitt an das Hochformat denkt, verliert Bildinhalte.

Vier Praxis-Workflows von 15 Sekunden bis 90 Sekunden

Drei Einstellungen, eine Figur, ein Ort, ein überraschender Moment. Referenzset: drei Bilder. Ton: eine Sprachzeile plus Atmosphäre. Realistischer Aufwand: 45 bis 90 Minuten inklusive Auswahl und Schnitt. Wichtig ist, den vertikalen Ausschnitt von Anfang an mitzudenken, sonst fehlt später oben oder unten Bildinhalt. Ein besonders wirksames Muster: Nahaufnahme als Aufmerksamkeitsanker, dann ein Schnitt auf die Totale, dann eine Detailaufnahme als Abschluss.

Sechs Einstellungen, ein Hook in den ersten zwei Sekunden, ein klarer Abschluss. Referenzset: eine Figur, ein Ort, ein Stilboard. Generierungsaufwand: rund eine Stunde, Schnitt dreißig Minuten, Ton zwanzig Minuten. Plane Reserve für zwei Nachgenerierungsrunden ein. Wer hier mit dem Ton beginnt und die Sprachspur vor dem Bildschnitt fertigstellt, spart erfahrungsgemäß am meisten Zeit.

Das Produktvideo

Ein Produktmodell oder eine klare Referenzaufnahme ist Pflicht, sonst verändert sich die Form zwischen den Einstellungen. Bewährt sind kurze, kontrollierte Kamerafahrten um ein statisches Objekt, dazu Makro-Details und ein ruhiger Hintergrund. Text im Bild sollte nachträglich gesetzt werden, nicht generiert – Buchstaben sind die häufigste Fehlerquelle überhaupt. Aufwand: zwei bis vier Stunden für 20 Sekunden, abhängig von der Anzahl der Ansichten.

Die narrative Sequenz von 60 bis 90 Sekunden

Hier zählt Konsistenz mehr als Effekt. Zwölf bis sechzehn Einstellungen, zwei Figuren, zwei Orte, ein Lichtkonzept. Audio zuerst produzieren, dann Bilder darauf abstimmen. Reserve für zwei Nachgenerierungsrunden einplanen – realistisch ist, dass etwa jede fünfte Einstellung ersetzt wird. Wer diesen Workflow einmal vollständig durchlaufen hat, kann ihn später in etwa der halben Zeit wiederholen, weil Referenzsets und Stil-Lexikon wiederverwendbar sind.

Zeit und Rollen realistisch planen

Für einen 30-Sekunden-Clip mit einer Figur und einem Ort sind zwei bis vier Stunden realistisch. Bei narrativen Sequenzen mit mehreren Figuren steigt der Aufwand überproportional, weil jede Inkonsistenz zusätzliche Korrekturrunden kostet. Sinnvolle Rollenteilung im Team: eine Person verantwortet Dramaturgie und Skript, eine zweite die Pipeline und Referenzassets, eine dritte Ton und Montage. In kleinen Teams fallen diese Rollen zusammen – dann sollte man Projekte kleiner schneiden, statt alle drei Aufgaben gleichzeitig halb zu erledigen.

Häufige Fragen und realistische Erwartungen

Reicht Text-zu-Video für professionelle Projekte?

Für Konzeptarbeit, Hintergründe und abstrakte Sequenzen ja. Für alles mit wiederkehrenden Figuren nur begrenzt. Sobald Identität oder Produkttreue gefordert ist, führt der Weg über Bild-zu-Video mit klaren Referenzen. Eine gute Faustregel: Wenn dein Projekt ein Gesicht mehr als zweimal zeigt, brauchst du Referenzbilder.

Welche Auflösung sollte ich anstreben?

Orientiere dich am Zielkanal. Für vertikale Feeds genügt oft eine niedrigere Ausgangsauflösung mit anschließendem Hochskalieren, für Präsentationen und großen Bildschirm lohnt sich von Anfang an die höchste verfügbare Qualität. Wichtiger als die absolute Auflösung ist die Konsistenz innerhalb einer Sequenz – ein Wechsel der Bildqualität fällt stärker auf als ein durchgängig etwas weicheres Bild.

Wie vermeide ich den typischen KI-Look?

Weniger Effekte, mehr bewusste Kameraarbeit. Statische Einstellungen, plausible Lichtsituationen, echte Atmosphärenspuren und eine zurückhaltende Farbkorrektur wirken glaubwürdiger als jede spektakuläre Kamerafahrt. Der Look entsteht außerdem im Schnitt: Längen, die nicht zum generierten Material passen, brechen die Illusion sofort. Ein weiterer Hebel ist die Unschärfe – ein leicht unscharfer Vordergrund und eine klare Tiefenstaffelung wirken fotografischer als durchgehende Schärfe.

Lohnt sich ein eigenes Prompt-Archiv?

Ja, deutlich. Prompts, die funktioniert haben, gehören versioniert abgelegt, inklusive Referenzbild und Einstellungsbeschreibung. Mit der Zeit entsteht daraus ein Baukasten, der neue Projekte erheblich beschleunigt – und der wichtiger ist als der nächste Werkzeugwechsel. Sinnvoll ist eine einfache Tabelle mit den Spalten Projekt, Einstellung, Prompt, Referenzdatei, Ergebnis, Bewertung und Wiederverwendbarkeit.

Was ist der größte Anfängerfehler?

Zu viel in einen Prompt zu packen und die Auswahl zu überspringen. Wer pro Einstellung nur eine Variante generiert, kann nicht vergleichen und produziert zwangsläufig Kompromisse, die später in der Montage auffallen. Der zweitgrößte Fehler ist, mit dem Ton erst am Ende anzufangen.

Wie viele Einstellungen sollte ein Clip haben?

Als Orientierung: Eine Einstellung sollte selten länger als fünf Sekunden dauern, außer sie ist bewusst als ruhige Totale gesetzt. Ein 30-Sekunden-Clip hat damit typischerweise sechs bis neun Einstellungen, eine 90-Sekunden-Sequenz zwölf bis achtzehn. Mehr Einstellungen erhöhen den Aufwand linear, aber den wahrgenommenen Produktionswert überproportional.

Wann sollte ich ein Projekt neu aufsetzen?

Wenn nach zwei Korrekturrunden mehr als ein Drittel der Einstellungen ersetzt werden muss, stimmt meist das Fundament nicht: Treatment unklar, Referenzset ungeeignet oder Stil inkonsistent. In diesem Fall ist ein Neustart mit sauberem Referenzset schneller als das Reparieren einzelner Clips.

Wer diese Grundlagen beherrscht, kann jedes neue Werkzeug einordnen, ohne die Arbeit von vorne zu beginnen. Die Technik wird sich weiter verändern – die Reihenfolge Skript, Referenz, Auswahl, Montage bleibt. Und wer seine Referenzassets, sein Stil-Lexikon und sein Prompt-Archiv pflegt, baut sich mit jedem Projekt einen Vorsprung auf, der sich nicht durch den nächsten Modellwechsel auflösen lässt.