Von der Idee zum fertigen Clip: KI-Kurzfilmproduktion meistern

Was KI-Kurzfilmproduktion heute wirklich verändert

Ein Kurzfilm begann früher mit einem Treatment und endete nach Drehtagen, Materiallogistik, Schnitt, Farbkorrektur und Mischung. Zwischen der ersten Notiz und dem fertigen Clip lagen Wochen, manchmal Monate. Generative Videomodelle haben diese Kette nicht einfach beschleunigt, sondern neu sortiert: Der aufwendigste Teil – der Dreh – fällt weg oder schrumpft auf wenige Referenzbilder. Übrig bleibt eine Schleife aus Beschreiben, Generieren, Bewerten und Verfeinern, die sich an einem Nachmittag mehrfach drehen lässt.

Das verändert die Denkweise stärker als das Werkzeug. Wer früher drei Takes drehte, um im Schnitt zu wählen, arbeitet heute mit Varianten: Zehn Entwürfe für eine Einstellung sind kein Luxus, sondern normale Arbeitsweise. Der Engpass verschiebt sich. Knapp ist nicht mehr die Kamera, sondern eine klare Idee und die Fähigkeit, Ergebnisse schnell und ehrlich zu beurteilen.

Von der Drehlogistik zur Iterationsschleife

In der klassischen Produktion war jede Entscheidung teuer: Location, Licht, Komparsen, Wetter. Deshalb wurde vorher geplant und während des Drehs so wenig wie möglich improvisiert. In der KI-Produktion ist die Generierung günstig und die Entscheidung teuer. Ein Prompt kostet Sekunden, aber die Bewertung von zwanzig Varianten kostet Konzentration. Wer diese Verschiebung nicht versteht, produziert tonnenweise Material und trotzdem keinen Film.

Die praktische Konsequenz: Sie brauchen kein größeres Zeitbudget für die Generierung, sondern klare Kriterien für die Auswahl. Notieren Sie vor dem ersten Prompt, was einen brauchbaren Take ausmacht – zum Beispiel „Motiv zentriert, Gesicht scharf, keine zusätzliche Hand im Bild, Bewegung endet ruhig“. Damit wird aus subjektivem Gefallen eine prüfbare Entscheidung.

Was gleich bleibt: Dramaturgie, Rhythmus, Ton

Alle Technik ändert nichts daran, dass ein Clip eine Form braucht. Ein Clip von 30 Sekunden lebt von einer Pointe, ein drei Minuten langer Film von einer Kurve. Auch der Ton bleibt entscheidend: Eine Sequenz mit sauberem Bild und ohne Atmosphäre wirkt unfertig, eine Sequenz mit mittelmäßigem Bild und gutem Ton wirkt dagegen erstaunlich professionell. Wer aus der klassischen Postproduktion kommt, hat hier einen echten Vorteil – wer nur Prompts kennt, unterschätzt diesen Punkt systematisch.

Deshalb beginnt dieser Leitfaden nicht beim Tool, sondern bei der Reihenfolge: erst Entscheidungen, dann Plan, dann Generierung, dann Ton und Schnitt. Die Schritte funktionieren unabhängig davon, welche Plattform Sie am Ende öffnen. Wichtig ist die Ordnung, nicht das Logo.

Die fünf Entscheidungen vor dem ersten Prompt

Fünf Minuten Nachdenken sparen Stunden. Wer sofort lostippt, produziert teure Zufälle und ein Materialarchiv, das niemand mehr sortieren will.

Format und Zielplattform

Hochkant für Kurzvideo-Feeds, Querformat für Videoplattformen, Präsentationen und Kundenabnahmen, quadratisch für manche Social-Formate. Das Format bestimmt die Bildkomposition: In 9:16 funktionieren zentrale Motive, Gesichter und Nahaufnahmen, weite Landschaften verlieren an Wirkung. Legen Sie das Format fest, bevor Sie Prompts schreiben, denn Modelle interpretieren „wide shot“ je nach Seitenverhältnis anders. Ein Motiv, das im Querformat als Halbtotale funktioniert, wird im Hochformat zur unruhigen Ganzkörperaufnahme.

Länge und dramaturgische Form

Realistisch sind kurze Einheiten von fünf bis zehn Sekunden pro Generierung; daraus bauen Sie Sequenzen. Entscheiden Sie vorab, welche Form Sie produzieren: Sketch-Pointe, Produktgeschichte, Trailer, Mood-Sequenz, Erklärstück mit Voice-over. Jede Form hat einen anderen Rhythmus und eine andere Einstellungsdichte. Ein Trailer braucht viele kurze Einstellungen, eine Produktgeschichte wenige lange. Wer das vorher festlegt, schreibt automatisch bessere Prompts.

Stil über Referenzen statt über Adjektive

„Cinematic“ bedeutet für jedes Modell etwas anderes. Sagen Sie konkret, was Sie meinen: warmes Licht zur goldenen Stunde, 35-mm-Korn, gedämpfte Grüntöne, Handkamera, anamorphe Lens Flares, harte Kontraste mit tiefen Schatten. Noch präziser arbeiten Sie mit Referenzbildern und einem Moodboard aus drei bis sechs Bildern. Ein Moodboard ersetzt ganze Absätze Beschreibung und macht den Stil zwischen zwei Arbeitstagen reproduzierbar.

Zeitbudget und Iterationsgrenze

Legen Sie fest, wie viele Iterationen eine Einstellung bekommt (typisch: fünf bis acht), wie lang der fertige Clip sein soll und wie viel Zeit für Ton und Schnitt reserviert bleibt. Ohne diese Grenzen wird aus einem Kurzfilm ein endloses Experiment. Eine brauchbare Faustregel: 60 Prozent der Zeit für die Generierung, 25 Prozent für Ton und Schnitt, 15 Prozent für Auswahl und Qualitätskontrolle.

Technische Zielvorgaben

Notieren Sie vorab Auflösung, Bildrate, Lautheitsziel und Untertitelsprache. Wenn Sie diese Werte erst beim Export festlegen, müssen Sie unter Umständen nachträglich skalieren, was Bildqualität und Bewegungstreue kostet. Die Zielvorgaben gehören in dieselbe Datei wie der Shot-Plan.

Von der Idee zum Shot-Plan

Zwischen Idee und Prompt liegt eine Übersetzung. Wer diese Übersetzung überspringt, improvisiert beim Prompten – und Improvisation erkennt man im Endergebnis immer.

Logline und Beat-Liste

Die erste Stufe ist die Logline: ein Satz, der Figur, Ziel und Hindernis benennt. Nicht „Ein Mädchen geht durch die Stadt“, sondern „Eine Botenfahrerin muss vor Sonnenaufgang ein Paket zustellen, doch jede Abkürzung führt sie tiefer in die falsche Richtung.“ Danach folgt eine Beat-Liste mit drei bis sechs Punkten: Ausgangslage, Auslöser, Eskalation, Wendung, Auflösung. Diese Beat-Liste ist das Gerüst für die Einstellungen.

Das Sechs-Punkte-Schema pro Einstellung

Ein Shot-Plan für KI-Produktionen unterscheidet sich in einem Punkt deutlich vom klassischen: Jede Einstellung muss beschreibbar sein. Wenn ein Shot sich nicht in zwei Sätzen erklären lässt, ist er für ein Modell zu komplex und sollte geteilt werden. Ein brauchbares Schema pro Einstellung:

Nummer und dramaturgische Funktion
Bildausschnitt und Kamerabewegung
Motiv, Handlung, Requisiten
Lichtstimmung und Farbwelt
Dauer in Sekunden
Referenzbild oder Referenznotiz

Beispiel: eine Sequenz aus acht Einstellungen

Shot	Funktion	Einstellung	Inhalt	Licht	Dauer
1	Ausgangslage	Halbtotale, statisch	Botenfahrerin steigt vom Rad, Stadt im Hintergrund	kaltes Morgenlicht	5 s
2	Detail	Nahaufnahme	Hände öffnen die Tasche, Paket sichtbar	hartes Seitenlicht	3 s
3	Auslöser	Halbnah, langsamer Push-in	Blick auf die Straße, Entscheidung	Gegenlicht	4 s
4	Eskalation	Fahraufnahme	Fahrt durch enge Gasse, Passanten weichen aus	gemischtes Licht	6 s
5	Irritation	Totale, leichte Handkamera	leere Kreuzung, kein Schild	entsättigt, blau	4 s
6	Wendung	Nahaufnahme	Gesicht, Erkenntnis, Wind in den Haaren	warmes Streiflicht	3 s
7	Auflösung	Halbtotale, Pull-back	Übergabe des Pakets an der Tür	warmes Innenlicht	5 s
8	Ausklang	Totale, langsam steigend	Fahrrad fährt in den Sonnenaufgang	goldenes Gegenlicht	6 s

Auffällig: Jede Zeile ist ein Satz, jede Einstellung hat genau eine Bewegung. Genau das macht den Plan für Modelle lesbar. Wer in Shot 4 gleichzeitig „Fahraufnahme“, „Person steigt ab“ und „Dialog“ unterbringt, bekommt wabernde Artefakte statt einer Szene.

Das richtige Videomodell wählen

Modelle unterscheiden sich weniger in der maximalen Bildqualität als in der Kontrolle. Prüfen Sie vier Achsen: Eingabetyp, Konsistenz, Bewegungstreue und Auflösung.

Eingabetypen: Text, Bild, Video

Text-zu-Video ist der schnellste Weg zum ersten Entwurf, aber der schwächste in der Kontrolle. Bild-zu-Video mit einem Startbild liefert deutlich stabilere Kompositionen, weil Licht, Palette und Bildausschnitt bereits festgelegt sind. Video-zu-Video und Bewegungstransfer eignen sich, wenn eine bestehende Aufnahme – etwa eine Handbewegung oder eine Kamerafahrt – den Rhythmus vorgeben soll. Die praktischste Kombination für Kurzfilme: Figuren und Sets zuerst als Bilder definieren, dann animieren. Damit wandert die kreative Entscheidung nach vorne, wo sie billig ist.

Konsistenz und Kamerasprache testen

Manche Modelle halten eine Figur über mehrere Einstellungen nur grob, andere erlauben Referenzbilder für Gesicht, Kleidung und Umgebung. Testen Sie mit einer Miniatur-Sequenz aus drei Einstellungen: dieselbe Figur, zwei Räume, eine Bewegung. Was nach drei Versuchen nicht sitzt, wird auch nach dreißig nicht sitzen – dann ist entweder das Modell ungeeignet oder die Beschreibung zu vage. Prüfen Sie außerdem die Kamerasprache: Reagiert das Modell auf „Push-in“, „Orbit“ und „Handkamera“ überhaupt unterschiedlich? Wenn nicht, wechseln Sie die Werkzeugklasse, statt immer längere Prompts zu schreiben.

Nach brauchbarem Material rechnen, nicht nach Versuchen

Beurteilen Sie den Aufwand am Ergebnis. Die entscheidende Kennzahl ist nicht die Zahl der Generierungen, sondern die Frage: Wie viele Versuche brauche ich für eine verwendbare Einstellung, und wie lange dauert die Nachbearbeitung? Zwei Minuten gelungenes Material aus zwanzig Versuchen sind oft günstiger als sechs Sekunden aus zwei Versuchen, die im Schnitt nicht tragen. Notieren Sie diese Zahl für die drei häufigsten Motivtypen – Figur, Landschaft, Interaktion – und Sie wissen nach zwei Projekten, welches Werkzeug wofür taugt.

Konsistenz über mehrere Einstellungen

Nichts verrät eine KI-Produktion schneller als eine Figur, die zwischen zwei Schnitten ihr Gesicht wechselt. Konsistenz entsteht nicht durch Glück, sondern durch Infrastruktur.

Charakterblatt und Set-Referenzen

Erstellen Sie ein Charakterblatt mit Frontal-, Halbprofil- und Ganzkörperansicht, dazu zwei Detailaufnahmen von Frisur und Kleidung. Nutzen Sie dieses Blatt in jeder Einstellung als Bildreferenz. Für Sets gilt dasselbe: Definieren Sie zwei bis drei Ansichten eines Raums, bevor Sie die Figur hineinsetzen. Umgebungen sind leichter stabil zu halten als Gesichter, und eine stabile Umgebung trägt eine instabile Figur erstaunlich weit.

Formulierungen einfrieren

Beschreiben Sie Figur und Set in jedem Prompt mit exakt denselben Worten. Variieren Sie Details, niemals die Attribute. Wenn die Figur in Shot 2 „eine gelbe Regenjacke“ trägt, ist sie in Shot 7 keine „gelbe Jacke“, sondern dieselbe Regenjacke mit denselben Worten. Legen Sie eine Textdatei mit den festen Beschreibungsblöcken an und kopieren Sie daraus. Das klingt pedantisch, ist aber der wirksamste Einzelhebel für visuelle Kontinuität.

Keyframes und Bewegungskontrolle

Wenn das Modell Start- und Endbild unterstützt, legen Sie beide fest. Das reduziert Zufall in der Bewegung und macht die Montage planbar, weil Sie den Endzustand einer Bewegung schon kennen. Halten Sie Bewegungen außerdem klein: Ein Schritt, eine Drehung, ein Griff. Große choreografische Bögen scheitern zuverlässig – nicht weil die Technik zu schwach ist, sondern weil sechs Sekunden zu kurz sind.

Farbwelt fixieren

Definieren Sie eine Palette und nennen Sie sie in jedem Prompt: warme Hauttöne, kühle Schatten, ein Akzentton. Eine dokumentierte Palette wirkt später im Schnitt wie ein unsichtbares Band zwischen Einstellungen aus verschiedenen Generierungen. Als Faustregel gilt: Je mehr Einstellungen eine Sequenz hat, desto enger sollte der Bildausschnitt sein. Nahaufnahmen verzeihen kleine Abweichungen, weite Totalen mit vier Personen nicht.

Prompting für kurze Sequenzen

Die stabile Reihenfolge

Ein guter Prompt ist ein Drehbuch für sechs Sekunden und folgt einer festen Reihenfolge: Motiv und Handlung, Umgebung, Bildausschnitt, Kamerabewegung, Licht, Stil, technische Parameter. Beispiel: „Eine Botenfahrerin in gelber Regenjacke steigt aus dem Sattel, ländliche Haltestelle im Morgennebel, Halbtotale, langsamer Schwenk nach rechts, weiches Streiflicht, 35-mm-Look, leichte Körnung.“ Diese Reihenfolge ist kein Dogma, aber sie verhindert, dass Sie wichtige Informationen hinten anhängen, wo sie oft schwächer gewichtet werden.

Kamerasprache konkret

Begriffe wie Push-in, Pull-back, Crane, Handkamera, Stativ, Orbit und Dolly sind effektiver als der Wunsch nach „dynamischen Bildern“. Eine Einstellung, eine Bewegung. Zwei Bewegungen im selben Shot führen meist zu wabernden Artefakten oder zu einem Bild, das aussieht, als würde die Kamera schweben. Wenn Sie zwei Bewegungen brauchen, teilen Sie den Shot.

Licht, Textur und Farbwelt

Licht beschreibt Stimmung zuverlässiger als Emotionen. Statt „traurig“ schreiben Sie „kaltes Fensterlicht von links, tiefe Schatten, entsättigte Blautöne“. Statt „romantisch“ schreiben Sie „warmes Gegenlicht zur goldenen Stunde, weiche Streuung, sanfter Bloom“. Textur ist der zweite Hebel: Körnung, Dunst, Regen auf der Linse und Reflexionen erzeugen Tiefe, die reine Motivbeschreibungen nie erreichen.

Bewegung und Interaktion

Modelle scheitern selten an der Kamera, sondern an Händen, Text und Interaktionen zwischen Personen. Reduzieren Sie komplexe Handlungen auf eine klare Geste. Wenn eine Figur etwas greifen soll, definieren Sie Objekt, Hand und Ergebnis explizit: „Die rechte Hand greift den Henkel, die Tasse hebt sich, Dampf steigt auf.“ Bleiben Sie außerdem bei einer Figur pro Einstellung, wenn Konsistenz wichtig ist. Sobald zwei Gesichter im Bild sind, verdoppelt sich das Risiko.

Ausschlüsse sparsam einsetzen

Verbotswünsche ersetzen keine präzise Beschreibung. Formulieren Sie zuerst positiv, was Sie sehen wollen, und nutzen Sie Ausschlüsse nur für wiederkehrende Störungen wie Wasserzeichen, Text im Bild, zusätzliche Gliedmaßen oder doppelte Gesichter. Eine lange Verbotsliste macht Prompts unlesbar und verdrängt oft die eigentliche Beschreibung.

Ton planen, bevor Sie generieren

Der Ton entscheidet, ob eine Sequenz unfertig oder fertig aussieht. Planen Sie ihn früh, produzieren Sie ihn spät. Notieren Sie beim Shot-Plan, welche Einstellung Atmosphäre, Musik oder Sprache braucht – und welche Einstellung bewusst stumm bleibt.

Die vier Tonspuren

Atmosphäre: Raumklang, Wind, Stadtgeräusche. Schon eine leise Grundschicht verbindet Schnitte.
Musik: Ein Loop mit klarer Dynamik. Achten Sie darauf, dass Schnitte auf den Takt fallen – das kaschiert kleine Bildfehler.
Sprache: Voice-over oder Dialog. Ein Kommentar aus dem Off ist billiger, flexibler und robuster als Lippensynchronität.
Effekte: Ein einzelner, gut platzierter Sound wirkt stärker als eine Wand aus Geräuschen.

Sprache und Lippensynchronität umgehen

Wenn die Mundbewegung nicht perfekt passt, verdecken Sie das mit Schnitt auf Rückansicht, Detailaufnahmen, Silhouetten oder wechselndem Bildausschnitt. Alternativ setzen Sie Voice-over ein und zeigen die Person nur in Halbtotalen. Beides ist keine Notlösung, sondern eine bewusste Entscheidung, die in klassischen Produktionen genauso getroffen wird.

Mischen mit Headroom

Mischen Sie mit Reserve: Sprache deutlich präsenter als Musik, Atmosphäre als leises Bett darunter. Ein einfacher Kompressor und ein Hochpassfilter auf der Stimme reichen für den Anfang meist aus. Prüfen Sie die Mischung auf drei Systemen – Kopfhörer, Laptop-Lautsprecher, Smartphone –, denn die Zielgruppe hört nicht auf Studiomonitoren.

Schnitt, Farbanpassung und Export

Der Schnitt ist der Ort, an dem aus Generierungen ein Film wird. Arbeiten Sie in drei Durchgängen.

Drei Durchgänge

Auswahl: Markieren Sie ausschließlich brauchbare Momente. Ein Zwei-Sekunden-Stück mit perfektem Ausdruck ist wertvoller als zehn Sekunden mit einem Fehler in der Mitte.
Rhythmus: Setzen Sie die Sequenz grob, dann kürzen Sie jeden Schnitt probeweise um zwei Frames. Straffer Schnitt verdeckt Unschärfen und erzeugt Energie.
Politur: Stabilisieren Sie dort, wo Bewegung zu weich wirkt, und kadrieren Sie nach, um abweichende Details am Bildrand aus dem Rahmen zu schieben.

Farb-Look als Konsistenzkleber

Farbanpassung ist der schnellste Konsistenz-Trick. Ein einheitlicher Look – leichte Kontrastkurve, entsättigte Schatten, warme Lichter, einheitliche Sättigung – verbindet Einstellungen aus verschiedenen Generierungen sichtbar. Arbeiten Sie mit einer Korrekturebene über der gesamten Sequenz und passen Sie nur Ausreißer einzeln an. Erst danach lohnt sich Feinarbeit an einzelnen Clips.

Export und Qualitätskontrolle

Vereinheitlichen Sie Bildrate und Auflösung, normalisieren Sie den Ton und exportieren Sie zwei Varianten: eine hochauflösende Master-Datei und eine plattformkompatible Fassung. Prüfen Sie anschließend auf dem Zielgerät: Seitenverhältnis, Lautheit, Untertitel und die ersten drei Sekunden, die über Abbruch oder Weiterschauen entscheiden.

Typische Fehler und Entscheidungskriterien

Die folgenden Fehler kosten in der Praxis am meisten Zeit. Wer sie kennt, spart pro Projekt mehrere Stunden.

Zu viel Handlung pro Shot: Ein Shot, eine Handlung, eine Bewegung. Alles andere wird zu zwei Einstellungen.
Fehlende Referenzen: Ohne Charakterblatt wird jede Einstellung ein neues Casting.
Iterieren ohne Bewertungskriterien: Legen Sie vorher fest, was ein Take erfüllen muss. Sonst entscheidet die Müdigkeit.
Stil in Adjektiven: „Episch“ ist kein Bild. Beschreiben Sie Licht, Linse, Palette und Bewegung.
Ton als Nachgedanke: Ohne Atmosphäre und Musik wirkt selbst gutes Bildmaterial unfertig.
Export ohne Formatprüfung: Seitenverhältnis, Lautheit und Untertitel vor dem Hochladen kontrollieren.
Zu späte Auswahl: Sichten Sie Ergebnisse sofort und löschen Sie Unbrauchbares. Ein sauberer Pool macht den Schnitt doppelt so schnell.
Zu viele Baustellen gleichzeitig: Produzieren Sie eine Sequenz fertig, bevor Sie die nächste beginnen.

Entscheidungshilfen für typische Situationen

Wenn Konsistenz das größte Risiko ist, arbeiten Sie mit Bild-zu-Video, Charakterblatt und engen Bildausschnitten. Wenn Tempo wichtiger ist als Perfektion, arbeiten Sie mit Text-zu-Video, vielen kurzen Einstellungen und einem starken Soundbett. Wenn eine Kundin oder ein Kunde viele Varianten sehen will, bauen Sie zuerst ein Storyboard aus Standbildern – das ist billiger als jede Videogenerierung und klärt die Richtung früher. Und wenn ein Projekt nach zwei Testsequenzen nicht funktioniert, ändern Sie das Konzept, nicht die Zahl der Versuche.

Praxisbeispiel, Checkliste und FAQ

Ein Clip von 45 Sekunden an einem Arbeitstag

Morgens: Logline, Beat-Liste und Shot-Plan für zehn Einstellungen, dazu Charakterblatt und Set-Referenzen. Danach eine Testsequenz aus drei Einstellungen, um Modell und Prompt-Struktur zu prüfen. Mittags: Generierung in Blöcken von drei bis vier Einstellungen, sofortige Sichtung und Löschen von Ausschuss. Nachmittags: Ton entwerfen (Atmosphäre, Musik, Voice-over), Schnitt in drei Durchgängen, Farb-Look, Export in zwei Varianten. Abends: Kontrolle auf dem Zielgerät und Notieren der Kennzahlen – Versuche pro brauchbarer Einstellung, Zeit pro Minute fertiges Material. Diese Zahlen sind der eigentliche Fortschritt.

Checkliste vor dem Export

Shot-Plan vollständig abgearbeitet und jede Einstellung begründbar?
Figur, Kleidung und Set in allen Einstellungen identisch beschrieben?
Genau eine Kamerabewegung pro Einstellung?
Atmosphäre auf jeder Einstellung, auch den ruhigen?
Schnitte auf musikalische Akzente gesetzt?
Kontrast und Sättigung über die gesamte Sequenz vereinheitlicht?
Seitenverhältnis, Lautheit und Untertitel geprüft?

FAQ

Wie lang sollte ein KI-Kurzfilm sein? Für den Einstieg 30 bis 60 Sekunden. Längere Formate funktionieren, verlangen aber mehr Konsistenzarbeit und eine belastbare Tonebene.

Brauche ich ein Drehbuch? Eine Beat-Liste reicht oft. Sobald Dialog oder Voice-over dazukommt, lohnt sich ein kurzes Skript, weil Sie sonst beim Prompten improvisieren.

Wie viele Versuche pro Einstellung sind normal? Fünf bis acht für eine brauchbare Version, mehr bei Figureninteraktionen. Wer deutlich darunter bleibt, verliert Qualität – oder hat ein ungewöhnlich passendes Werkzeug gefunden.

Kann ich alles mit einem einzigen Modell machen? Ja, aber selten optimal. Viele Produktionen kombinieren ein Modell für Figuren, eines für Landschaften und ein klassisches Schnittprogramm für den Feinschliff.

Wie verhindere ich, dass es nach KI aussieht? Durch Ton, Schnitt und Farbwelt. Der sichtbarste Unterschied zwischen Hobby- und Profiproduktionen ist nicht die Generierung, sondern die Nachbearbeitung.

Was mache ich, wenn eine Figur nicht konsistent bleibt? Wechseln Sie die Perspektive. Rückansichten, Hände, Silhouetten und Detailaufnahmen halten eine Sequenz zusammen, ohne dass das Gesicht jedes Mal stimmen muss. Mit festem Charakterblatt und identischen Attributformulierungen sinkt die Abweichung schon nach wenigen Einstellungen deutlich – und Sie können sich wieder auf das konzentrieren, was den Clip trägt: Rhythmus, Ton und eine klare Idee.

Wie viele Einstellungen sind für den Anfang realistisch? Sechs bis zwölf. Diese Zahl reicht für eine vollständige kleine Geschichte und bleibt überschaubar genug, um an einem Tag fertig zu werden. Wer mehr braucht, teilt das Projekt besser in zwei Sequenzen.

Woran erkenne ich, dass ein Projekt nicht funktioniert? Wenn zwei Testsequenzen hintereinander keine verwertbare Einstellung liefern, liegt das Problem selten am Werkzeug. Meist ist die Idee zu komplex, die Beschreibung zu vage oder der Bildausschnitt zu weit. Vereinfachen, enger kadrieren, neu beschreiben.