Ein Charakter, der in Szene eins eine grüne Jacke mit Messingknöpfen trägt und in Szene vier plötzlich in braunem Leder auftaucht, kostet mehr als ein paar Minuten Nacharbeit. Er zerstört das Vertrauen des Publikums in die Figur – und damit in die gesamte Geschichte. Genau an dieser Stelle scheitern die meisten KI-Videoprojekte: nicht an der Auflösung, nicht an der Bewegung, sondern an der Wiedererkennbarkeit. Ein einzelnes beeindruckendes Bild hat wenig Wert, solange die Figur im nächsten Shot wie eine andere Person aussieht.
Dieser Leitfaden beschreibt einen werkzeugunabhängigen Ablauf für konsistente Figuren in KI-Videos – von der ersten Referenz über Prompt-Architektur und Modellwahl bis zur Postproduktion. Er richtet sich an Solo-Creator, kleine Studios und Agenturen, die serielle Formate, Kurzfilme, Werbespots oder Erklärvideos produzieren und nicht jede Einstellung neu erfinden wollen.
Warum Konsistenz über Erfolg oder Misserfolg entscheidet
Konsistenz ist kein ästhetisches Detail, sondern eine dramaturgische Notwendigkeit. Das Publikum erkennt Figuren über Merkmale: Gesichtsform, Frisur, Kleidung, Körperhaltung, Farbwelt. Sobald eines dieser Merkmale zwischen zwei Einstellungen springt, liest das Gehirn das als neuen Charakter – selbst wenn der Rest des Bildes perfekt ist. Der Zuschauer kann nicht benennen, was ihn stört, aber er spürt, dass etwas nicht stimmt. In seriellen Formaten ist dieser Effekt fatal, weil die Bindung an die Figur über die Episoden hinweg aufgebaut wird.
Hinzu kommt ein wirtschaftlicher Faktor, der oft unterschätzt wird. Wer ohne feste Referenz arbeitet, generiert im Schnitt fünf- bis zehnmal so viele Varianten pro brauchbarer Einstellung. Der Aufwand verschiebt sich vom kreativen Entscheiden zum stumpfen Aussortieren. Ein sauber definierter Charakter amortisiert sich dagegen nach wenigen Szenen, weil jede weitere Einstellung auf bekanntem Material aufbaut. Das gilt besonders, wenn die Produktion länger als einen Tag dauert: Wer nach einer Pause weitermacht, ohne dokumentierte Vorgaben, beginnt faktisch ein neues Projekt.
Dazu kommt ein dritter Aspekt: Konsistenz macht Arbeit delegierbar. Solange die Figur nur im Kopf einer Person existiert, kann niemand anders weiterarbeiten. Sobald Charakterprofil, Referenzbilder und Prompt-Bausteine schriftlich festgehalten sind, kann eine zweite Person Einstellungen generieren, sortieren oder schneiden, ohne das Gesamtbild zu beschädigen. Das ist der eigentliche Skalierungseffekt – nicht ein größeres Modell, sondern eine dokumentierte Produktionsgrundlage.
Die drei Ebenen der Konsistenz
Wer alle Abweichungen in einen Topf wirft, kann nicht gezielt nachbessern. Sinnvoll ist die Trennung in drei Ebenen, die unterschiedlich streng behandelt werden.
Identität umfasst Gesicht, Statur, Alter, Frisur und markante Merkmale wie Narben, Brille oder Sommersprossen. Diese Ebene ist unverhandelbar. Sie darf sich innerhalb einer Geschichte nur durch bewusste Ereignisse ändern – etwa eine neue Frisur nach einem Zeitsprung.
Ausstattung umfasst Kleidung, Accessoires und Requisiten samt ihrem Zustand. Hier ist kontrollierte Veränderung erwünscht: Eine Jacke darf schmutzig werden, ein Knopf darf fehlen, eine Tasche darf den Besitzer wechseln. Entscheidend ist, dass die Veränderung eine Ursache hat und dokumentiert ist.
Stil umfasst Lichtsetzung, Farbtemperatur, Objektivwirkung, Textur und Filmkorn. Diese Ebene wird häufig vernachlässigt, obwohl sie den größten Einfluss auf den Gesamteindruck hat. Zwei Einstellungen mit identischem Gesicht können wie aus zwei verschiedenen Produktionen wirken, wenn die eine warm und körnig und die andere kühl und glatt ist.
Die meisten Fehler entstehen nicht auf der Identitätsebene, sondern im Übergang zwischen Stil und Ausstattung. Ein Charakter bleibt erkennbar, aber die Szene wirkt fremd – oder die Kleidung wechselt zwischen zwei Kamerawinkeln heimlich die Farbe. Wer die drei Ebenen getrennt dokumentiert, kann gezielt eingreifen, statt jedes Mal das komplette Setup neu zu bauen.
Charakterprofil und Referenzbilder als Fundament
Das Charakter-Sheet
Bevor der erste Prompt geschrieben wird, steht ein Charakterprofil. Es ist die einzige Quelle der Wahrheit für alle späteren Schritte und verhindert, dass sich Beschreibungen zwischen zwei Arbeitstagen auseinanderentwickeln. Ein brauchbares Sheet ist kurz, konkret und visuell.
Es enthält Stammdaten (Name, Alter, Herkunft, Beruf, Rolle in der Geschichte), physische Merkmale (Gesichtsform, Augenfarbe, Haarfarbe und -länge, Größe, besondere Details), Kleidung in Schichten (Basislayer, darüberliegende Kleidung, Schuhe, Accessoires), Material- und Texturangaben (Baumwolle, Denim, Wolle, Leder, Seide) sowie Notizen zu Stimmung und Haltung (aufrecht, gebeugt, nervös, kontrolliert).
Farbnamen sollten so präzise wie möglich sein. „Blau“ erzeugt jedes Mal ein anderes Blau. „Puderblau, matt“ oder „Königsblau, leicht glänzend“ liefert reproduzierbare Ergebnisse. Dasselbe gilt für Materialien: Texturen beeinflussen die Lichtwirkung erheblich, und ein Modell interpretiert „Jacke“ anders als „mattes Baumwoll-Twill mit sichtbarer Webstruktur“.
Referenzbilder richtig erzeugen und kuratieren
Ein einzelnes Porträt reicht nicht. Ideal sind drei bis sechs Referenzen: ein frontales Porträt bei neutralem Licht, eine Drei-Viertel-Ansicht, ein Profil, eine halbnahe Aufnahme mit sichtbarer Kleidung, eine Ganzkörperaufnahme für Proportionen und eine Aufnahme in Bewegung oder mit ausdrucksstarker Mimik.
Wichtig ist, dass alle Referenzen dieselbe Person zeigen – nicht nur denselben Stil. Falls ein Werkzeug in einem Durchlauf mehrere Varianten liefert, wird die beste ausgewählt und als Basis für die weiteren Ansichten verwendet, nicht jede Ansicht separat neu generiert. Dieser Unterschied entscheidet darüber, ob am Ende ein Charakter oder sechs Geschwister entstehen. Ein praktikabler Zwischenschritt: zuerst ein gelungenes Frontporträt erzeugen, dieses als Referenz in alle weiteren Ansichten einspeisen und erst danach die Kleidungsdetails verfeinern.
Hintergrund, Licht und Bildausschnitt sollten in den Referenzen möglichst schlicht bleiben. Ein dramatisch beleuchtetes Profil vor farbigem Hintergrund ist als Identitätsanker kaum brauchbar, weil das Modell Licht und Stil mit der Person vermischt. Neutrale graue oder weiße Hintergründe, weiches gleichmäßiges Licht und ein ruhiger Gesichtsausdruck sind die beste Grundlage.
Prompt-Architektur für Serie statt Einzelbild
Die meisten Prompts sind für Momentaufnahmen optimiert. Für serielle Arbeit braucht es eine andere Struktur: einen stabilen Kern und klar abgetrennte Variablen.
Der feste Deskriptor-Block
Der Deskriptor-Block beschreibt ausschließlich die Figur und bleibt über alle Einstellungen wortgleich. Beispiel: „Frau, Anfang dreißig, schmale Gesichtsform, grüne Augen, rotbraunes schulterlanges Haar mit Mittelscheitel, dezente Sommersprossen, matte puderblaue Baumwolljacke mit Messingknöpfen, weißes Shirt, dunkle Jeans, aufrechte Haltung.“
Zwei Regeln machen diesen Block belastbar. Erstens: keine Synonyme verwenden – wer zwischen „rotbraun“ und „kastanienbraun“ wechselt, erzeugt Variation. Zweitens: keine Stimmungs- oder Handlungsangaben hineinmischen, weil sie sonst über alle Szenen hinweg mitgeschleppt werden. Der Block beschreibt, wie die Figur aussieht, nicht was sie tut.
Szenenvariablen sauber trennen
Alles, was sich von Einstellung zu Einstellung ändern darf, gehört in einen separaten zweiten Block: Ort, Tageszeit, Kamerawinkel, Objektivbrennweite, Lichtstimmung, Handlung, Tempo. Diese Trennung ist der wichtigste technische Trick überhaupt. Sie erlaubt es, eine Figur in zwanzig völlig unterschiedlichen Situationen zu zeigen, ohne ihre Beschreibung neu zu verhandeln.
Ein zweiter Vorteil: Fehler lassen sich zuordnen. Wenn die Figur plötzlich anders aussieht, liegt es fast immer am Deskriptor-Block oder an den Referenzen. Wenn nur die Szene unpassend wirkt, liegt es am Variablenblock. Ohne diese Trennung beginnt die Fehlersuche bei null.
Negative Prompts und Verbote
Ein Negativ-Block verhindert die häufigsten Ausreißer: zusätzliche Personen, verzerrte Hände, Text im Bild, Wasserzeichen, plötzliche Accessoires, Brillen, die nicht im Sheet stehen, Farbstiche. Auch hier gilt: einmal formulieren, dauerhaft beibehalten. Ein wechselnder Negativ-Block ist eine unterschätzte Fehlerquelle, weil er unbemerkt Vorlieben des Modells aktiviert oder deaktiviert.
Modellwahl: Wann welches Werkzeug die richtige Wahl ist
Es gibt kein Modell, das alles optimal löst. Sinnvoll ist eine Arbeitsteilung zwischen Bild- und Videomodellen sowie zwischen Qualitäts- und Geschwindigkeitsstufen.
Bildmodelle für Keyframes
Bildmodelle sind die beste Wahl, um Identität festzunageln. Sie sind schneller, günstiger und leichter zu iterieren als Videomodelle. Wer zuerst starke Keyframes erzeugt und diese anschließend animiert, spart enorm viel Zeit. Sehr hilfreich sind Werkzeuge mit Multi-Image-Referenz: Mehrere Bilder einer Person werden gleichzeitig übergeben, sodass Gesichtszüge, Frisur und Kleidung aus verschiedenen Winkeln zusammenlaufen. Für stilistische Präzision eignen sich zusätzlich Modelle mit starkem Prompt-Verständnis, während auf Fotorealismus optimierte Varianten bessere Haut- und Materialtexturen liefern.
Videomodelle für Bewegung
Bei der Animation zählen andere Eigenschaften: Bewegungsplausibilität, zeitliche Stabilität und Kontrolle über die Kamera. Manche Modelle glänzen bei filmischer Bildsprache und langen, ruhigen Kamerafahrten, andere bei schnellen Schnitten oder bei sehr enger Prompt-Treue. Für Charakterarbeit ist die Fähigkeit entscheidend, ein Startbild möglichst detailgetreu zu übernehmen und nur die Bewegung hinzuzufügen. Ein Modell, das ein perfektes Keyframe „verbessert“, ist für serielle Produktionen unbrauchbar.
Entscheidungskriterien in der Praxis
Vier Fragen helfen bei der Modellwahl. Wie viele Shots pro Szene? Viele kurze Einstellungen belohnen Geschwindigkeit, wenige lange Einstellungen belohnen Qualität. Wie wichtig ist Textur? Werbe- und Produktnahaufnahmen brauchen hochwertige Materialwiedergabe. Wie stark ist die Bewegung? Ruhige Dialoge sind leichter konsistent zu halten als Actionsequenzen. Wie viel Zeit steht zur Verfügung? Generative Arbeit ist iterativ; ein Werkzeug mit dreißig Sekunden Wartezeit verändert die Arbeitsweise grundlegend, weil es Experimente teuer macht.
Eine pragmatische Strategie für die meisten Projekte: ein Bildmodell für alle Keyframes, ein zuverlässiges Videomodell für Standardeinstellungen und ein Spezialwerkzeug für zwei bis drei Hero-Shots pro Episode. Der Werkzeugwechsel mitten in einer Szene ist riskanter als ein durchschnittliches, aber konsistentes Modell.
Der Produktionsablauf Schritt für Schritt
Schritt 1: Pre-Production und Shot-Liste
Jede Einstellung bekommt eine Zeile mit Nummer, Beschreibung, Dauer, Kamerawinkel und Funktion in der Geschichte. Diese Liste ist später die Grundlage für alle Generierungen und verhindert, dass während der Arbeit improvisiert wird. Zusätzlich wird pro Szene eine Lichtstimmung und eine Brennweitenfamilie festgelegt. Ein Shot, der nicht auf der Liste steht, wird nicht generiert – diese Regel klingt streng, rettet aber Budget und Nerven.
Schritt 2: Keyframes erzeugen
Für jede Einstellung wird zuerst ein stehendes Bild erzeugt. Der feste Deskriptor-Block bleibt unverändert, nur die Szenenvariablen werden getauscht. Wichtig: Nur das beste Ergebnis weiterverwenden. Ein mittelmäßiges Keyframe wird durch Animation nicht besser, sondern nur teurer. Wer unsicher ist, vergleicht zwei Kandidaten direkt mit dem Referenzbild und prüft Augenfarbe, Haaransatz und Kragenform.
Schritt 3: Animation und Zwischenbilder
Das Keyframe wird als Startbild ins Videomodell gegeben. Die Prompt-Angabe beschreibt nur noch die Bewegung: „langsames Heben des Kopfes, Kamera fährt minimal nach links, ruhige Atmung“. Zu viel Beschreibung im Animationsprompt führt dazu, dass das Modell die Figur neu interpretiert. Eine gute Faustregel: maximal zwei Bewegungen pro Einstellung, eine davon die Kamera.
Schritt 4: Kontrolle und Neuaufnahme
Nach jeder Einstellung folgt ein kurzer Identitätscheck: Augenfarbe, Frisur, Kleidung, Proportionen. Abweichungen werden sofort korrigiert, nicht gesammelt. Ein Fehler, der über drei Einstellungen mitgeschleppt wird, ist am Ende nur noch mit einer kompletten Neuproduktion zu beheben. Bewährt hat sich ein festes Prüfraster mit fünf Punkten, das in weniger als einer Minute abgearbeitet werden kann.
Schritt 5: Sichtung im Kontext
Einzelne Clips wirken oft überzeugend, im Schnitt fallen Abweichungen auf. Deshalb gehört ein Rohschnitt mit allen Einstellungen einer Szene zum Ablauf – nicht erst am Ende. Wer erst nach dreißig fertigen Clips schneidet, entdeckt Kontinuitätsfehler zu spät und muss Material neu erzeugen, das bereits in die Nachbearbeitung geflossen ist.
Licht, Kamera und Szenenkontinuität
Konsistenz endet nicht am Gesicht. Lichtrichtung, Farbtemperatur und Brennweite müssen über eine Szene hinweg zusammenpassen. Als Faustregel gilt: Innerhalb einer Szene darf sich die Lichtstimmung nur durch motivierte Ereignisse ändern – ein Licht wird eingeschaltet, eine Wolke zieht vorbei, jemand verlässt den Raum.
Praktisch bedeutet das: Pro Szene eine Lichtbeschreibung definieren („warmes Seitenlicht von links, 3200 K, weiche Schatten“) und diese in jeden Prompt kopieren. Kamerawechsel innerhalb einer Szene sollten dieselbe Brennweitenfamilie nutzen, etwa 35 mm und 50 mm statt 35 mm und extremes Weitwinkel. Der Grund ist psychologisch: Ein Sprung in der Brennweite verändert die Gesichtsproportionen so stark, dass selbst ein korrektes Gesicht fremd wirkt.
Ein weiterer Punkt ist die Blickrichtung. Wenn zwei Figuren im Dialog stehen, muss die Achse zwischen ihnen stimmig bleiben, sonst wirken die Aufnahmen trotz perfekter Gesichter falsch. Wer diese Kontinuität ignoriert, produziert Videos, die technisch beeindruckend und dramaturgisch unruhig wirken.
In der Postproduktion kommen drei Werkzeuge zum Einsatz, die viel retten können: ein Farbabgleich über alle Clips einer Szene, eine leichte Nachschärfung oder Weichzeichnung für Einheitlichkeit sowie eine Prüfung von Bildrate, Auflösung und Seitenverhältnis vor dem Export. Ein kurzer Color-Match-Schritt am Ende gleicht Szenen an, die einzeln betrachtet auffallen würden.
Häufige Fehler und ihre Lösungen
Gesichter driften langsam
Das Gesicht verändert sich über mehrere Einstellungen minimal, bis die Figur fremd wirkt. Ursache ist meistens fehlende Referenzkopplung. Lösung: Keyframes aus der ersten Einstellung erneut als Referenz übergeben und die Prompt-Formulierung prüfen – schon ein Synonymwechsel kann Drift auslösen. Zusätzlich hilft es, jeden zehnten Clip gegen das Referenzbild zu legen.
Kleidung und Requisiten ändern sich
Knöpfe, Kragenformen und Taschen wandern. Meist liegt es an zu vagen Materialangaben. Konkrete Stoffe, Farbtöne und Verschlussarten in den Deskriptor-Block aufnehmen. Ein nützlicher Trick ist, Kleidung als eigenen Satz zu beschreiben statt sie in den Personenbeschreibungssatz einzubetten. So lässt sie sich gezielt ändern, ohne die Identität zu berühren.
Stilbruch zwischen Szenen
Eine Szene wirkt körnig und warm, die nächste glatt und kühl. Hier hilft ein übergeordneter Stilblock („35 mm Filmkorn, warme Farbpalette, sanfter Kontrast, geringe Tiefenschärfe“), der unabhängig von der Handlung in jedem Prompt steht und nur bei bewussten Stilwechseln angepasst wird.
Unruhige Hintergründe
Modelle erfinden gern Details im Hintergrund, die über Einstellungen hinweg nicht zusammenpassen. Lösung: Hintergründe reduziert halten, mit klaren Objektlisten arbeiten und bei wiederkehrenden Räumen ein Referenzbild des Raumes mitliefern. Für Innenräume lohnt es sich, drei feste Ansichten zu definieren und nur diese zu verwenden.
Verzerrte Hände und Proportionen
Hände bleiben eine Schwachstelle. Hände entweder aus dem Bildausschnitt nehmen, in einfache Positionen bringen oder als Referenz mitgeben. Bei Ganzkörperaufnahmen lohnt es sich, Proportionen über eine Referenzaufnahme zu verankern, statt sie im Prompt zu beschreiben.
Zu viele Figuren in einem Prompt
Zwei Charaktere in einem Prompt führen häufig dazu, dass Merkmale vermischt werden. Besser ist es, Figuren einzeln zu etablieren und über Compositing oder separate Takes zusammenzuführen. Auch das Tempo leidet, wenn ein Modell gleichzeitig zwei Gesichter, zwei Bewegungen und einen Dialog ausbalancieren soll.
Ton, Stimme und Schnitt als Konsistenzverstärker
Konsistenz ist nicht nur visuell. Eine gleichbleibende Stimmlage, ein wiederkehrendes musikalisches Motiv und ein stabiler Schnittrhythmus verstärken die Wahrnehmung einer Figur erheblich. Wer mit generierter Stimme arbeitet, sollte Parameter wie Tonhöhe, Sprechtempo und Pausenverhalten dokumentieren und über alle Takes hinweg konstant halten. Ein Stimmtake, der zwanzig Prozent schneller gesprochen ist, klingt wie eine andere Person.
Im Schnitt gilt: Aufnahmen, die sich in Lichtfarbe oder Weißabgleich unterscheiden, können über eine gemeinsame Farbkorrektur angeglichen werden. Auch eine einheitliche Ausgabeauflösung, Bildrate und Seitenverhältnis verhindert, dass Plattformen Material unterschiedlich skalieren. Wer für verschiedene Kanäle produziert, sollte die Formate früh festlegen und nicht nachträglich beschneiden – sonst wandern Bildinhalte aus dem sicheren Bereich.
Ein letzter Punkt betrifft die Archivierung. Charakterprofile, Referenzbilder, Prompt-Bausteine, Shot-Listen und Stilblöcke gehören in einen versionierten Projektordner. Wer zwei Episoden später weiterarbeitet, findet dort alles wieder, statt Erinnerungen zu rekonstruieren.
Checkliste für jede neue Produktion
- Charakter-Sheet vollständig, mit präzisen Farb- und Materialangaben
- Mindestens drei Referenzansichten pro Figur, aus derselben Basis erzeugt
- Fester Deskriptor-Block, wortgleich in allen Prompts
- Separater Szenenvariablen-Block für Ort, Licht, Kamera
- Konstanter Negativ-Block ohne Ausnahmen
- Pro Szene definierte Lichtstimmung und Brennweitenfamilie
- Shot-Liste mit Dauer- und Kameravorgaben
- Identitätscheck nach jeder Einstellung, maximal fünf Prüfpunkte
- Rohschnitt pro Szene vor der nächsten Produktionsstufe
- Abschließender Farbabgleich und einheitliches Exportformat
- Versionierter Projektordner mit allen Bausteinen
Diese Liste wirkt banal, aber sie ist der Unterschied zwischen einer Produktion, die nach zehn Clips schneller wird, und einer, die nach zehn Clips zusammenbricht.
FAQ: Häufige Fragen zu konsistenten KI-Charakteren
Wie viele Referenzbilder brauche ich wirklich?
Für die meisten Projekte reichen vier: frontal, Drei-Viertel, Profil und eine Ganzkörperaufnahme. Bei stark wechselnden Kamerawinkeln lohnt eine fünfte Ansicht von schräg oben. Entscheidend ist nicht die Anzahl, sondern dass alle Ansichten dieselbe Person zeigen und unter gleichem Licht entstanden sind.
Reicht ein einziges Bildmodell für alle Figuren aus?
Ja, solange es Multi-Image-Referenzen unterstützt und die Ergebnisse stabil genug sind. Der Wechsel des Werkzeugs mitten in einer Szene ist riskanter als ein durchschnittliches, aber konsistentes Modell. Wechsel lohnen sich höchstens zwischen Szenen oder zwischen Projekten.
Warum sieht meine Figur mit jedem neuen Prompt anders aus?
Meistens wegen variierender Wortwahl, fehlender Referenzkopplung oder fehlender Trennung von Charakter- und Szenenblock. Prüfen Sie zuerst die Formulierungsdisziplin, dann die Referenzen. Häufig liegt der Fehler in einer einzigen uneinheitlichen Materialangabe.
Wie lang dürfen Einstellungen sein?
Je länger eine Einstellung, desto höher das Risiko von Drift. Für Dialoge funktionieren drei bis fünf Sekunden gut, für atmosphärische Aufnahmen auch länger, sofern die Bewegung minimal bleibt. Bei langen Einstellungen hilft es, sie später in zwei Schnitte zu teilen.
Kann ich mehrere Figuren in einer Szene halten?
Ja, aber nicht gleichzeitig generieren. Besser ist es, die Figuren einzeln zu etablieren und dann über Compositing oder separate Takes zusammenzuführen. So bleibt jede Figur innerhalb ihrer eigenen Referenzkette stabil.
Wie gehe ich mit kleinen Zeitbudgets um?
Arbeiten Sie mit festen Vorlagen: ein Charakter-Sheet, ein Deskriptor-Block, ein Stilblock, ein Satz Szenenvariablen. Die meiste Zeitersparnis entsteht nicht durch bessere Werkzeuge, sondern durch weniger Entscheidungen pro Einstellung. Vorlagen sind Entscheidungen, die man nur einmal trifft.
Wie lange dauert eine typische kurze Episode?
Realistisch sind zwei bis fünf Arbeitstage für dreißig bis sechzig Sekunden fertiges Material, abhängig von Szenenzahl und Schnittfrequenz. Projekte mit wiederkehrenden Sets und Figuren werden mit jeder weiteren Episode deutlich schneller, weil Charakterprofile, Stilblöcke und Shot-Vorlagen nur noch angepasst statt neu gebaut werden müssen.
Woran erkenne ich, dass ein Projekt aus dem Ruder läuft?
Ein zuverlässiges Frühwarnzeichen: Sie können nicht mehr aus dem Kopf sagen, welche Augenfarbe Ihre Hauptfigur hat. Sobald das passiert, ist die Dokumentation nicht mehr die Grundlage der Arbeit – dann wird improvisiert, und die nächsten zehn Einstellungen werden teuer. Der Gegencheck dauert eine Minute: Referenzbild öffnen, Clips vergleichen, Prompt-Bausteine sichten.
Sind diese Regeln auch für kurze Social-Media-Clips sinnvoll?
Ja, sogar besonders. Ein zwölf Sekunden langer Clip lebt von einem einzigen erkennbaren Gesicht. Wenn dieselbe Figur in einer Serie von Clips auftaucht, ist die Wiedererkennung das eigentliche Markenzeichen – nicht der Effekt oder die Kamerafahrt. Deshalb lohnt sich das Charakter-Sheet auch dann, wenn nur drei Einstellungen produziert werden.
